Koreográfia, táncok készítésének és rendezésének művészete. A szó a görög nyelvből származik a „tánc” és az „írás” kifejezésből. A 17. és a 18. században ez valóban a táncok írásbeli nyilvántartását jelentette. A 19. és a 20. században azonban a jelentése pontatlanul, de általánosan változott, miközben az írásos feljegyzés táncjelölés néven vált ismertté.
tánc: Koreográfia
A koreográfia a táncok készítésének, a rendbe és a mintába való mozgás összegyűjtésének és szervezésének művészete. Legfrissebb
A koreográfia rövid ismertetése következik. A teljes kezeléshez lásd: tánc: Koreográfia; tánc, nyugati.
A tánc kompozíciója ugyanolyan kreatív, mint a zene összetétele. A tánc megjelölése azonban elemzés és jelentéskészítés, amelyet általában a koreográfustól eltérő emberek végeznek olyan nyelven vagy jelekkel, amelyeket az alkotó valószínűleg nem ért meg.
A reneszánsz idején az olasz táncmesterek, mint például Domenico da Piacenza, a társasági táncokat tanították a bíróságon, és valószínűleg újakat találtak ki vagy az ismert táncok variációit rendezték el, így a kreatív funkciót az oktatókkal kombinálva. A színpadra állított balett ugyanazokat a lépéseket és mozgásokat alkalmazott, mint a társadalmi tánc, és alapvetően különbözött tőle a padlórendezés és a vizuális vetítés szempontjából.
A XVI. Században a francia udvar táncmesterei oly módon rendezték meg társadalmi táncjaik padlóját, színházi és művészeti összefüggéseit, hogy koreográfiai formát, a balett de cour-t alakítsanak ki. Az ezt követő két évszázadban a különbség a társas tánc és a színháztánc között addig nőtt, amíg a 19. században a balett alapvetően független szókincset ért el.
A korszak balettmestere, a koreográfus a tánc mint színházi művészet rendezője volt. A 18. századi késő koreográfiai művészet óriása Jean-Georges Noverre volt, akinek munkái és írásai a drámai balett, azaz a balett-fellépés ünneplését tették közzé. Ebben a balett magába foglalta a mimikát és az akadémiai táncokat, narratív és histrionikus kontextusban adva kifejezést a táncnak. Noverre és kortárs Gasparo Angiolini után mások többféle módon fejlesztették ezt a tendenciát - különösen Jean Dauberval a kortárs vidéki népek realisztikus ábrázolásában, Charles Didelot a romantikus színpadi illúzió és fantázia felé mozdulva, és Salvatore Viganò az együttes drámai felhasználása során (choreodramma) és a tragikus gesztus természetessége.
A romantikus mozgalom koreográfusai baletttel foglalkoztak, amelyet olyan mesterek, mint Carlo Blasis kodifikáltak, elsősorban Noverre napjaiban a balett d'akció színházi formáiban vagy az opera divertisziókban (balett közbenső részek). A balerina, szerepét az újonnan kitalált pointework (az egyensúly helyzete a lábujj extrém végén) és a balett női test egyaránt új hangsúlyt kapott. A színházi tánc narratíváját legjobban fejlesztett koreográfusok August Bournonville volt Koppenhágában; Jules Perrot, különösen Londonban és Szentpéterváron; és Marius Petipa, akik Szentpétervárban a látványos klasszikus balettművelet tetejére tettek csúcspontját az alvó szépség című műben, amelyben a klasszikus tánc kibővített és összetett komplexumai költői és metaforikus kifejezést hoztak a cselekményre.
A korai modern tánc az Egyesült Államokban a mozgás és a kifejezés új elemeit vezetett be; és a balettben Michel Fokine alkotása a naturálisabb stílusokat és egy erőteljesebb színházi képet hangsúlyozott, mint Petipa balett-klasszicizmusa. Azóta a koreográfiai formák változtak a reprezentáció és az absztrakció pólusai között.
A táncjelölések a 20. században mind az alapmozgással, mind a formális tánccal foglalkoztak, és az elvont szimbólumok új rendszerének feltalálásával segítették segítséget - Rudolf von Laban és Rudolf Benesh a legbefolyásosabb. A labanotáció az első jelezte a mozgás időtartamát, folyékonyságát vagy intenzitását. Manapság ezek a rendszerek és mások továbbra is gyorsan fejlődnek, amelyeket film és videokazetta erősít.
A koreográfia nem kevésbé gyorsan fejlődött. A kompozíció módszerei radikálisan változnak - egyes koreográfusok táncosok improvizációit használják nyersanyagként, mások minden egyes mozdulatot a próba előtt terveznek. Merce Cunningham radikálisan megváltoztatta a koreográfia kontextusát a zenei hozzáállásban és a dekorációban, mint véletlenszerű (inkább együttmûködõ vagy támogató) tánccal, véletlenszerû módszerek alkalmazásával a tánckompozícióban és a szervezésben, valamint a nem-színházi előadóterület felhasználásában. Ő, George Balanchine és Sir Frederick Ashton lett a klasszikus vagy az absztrakt tánc vezető exponensei; de az utóbbi kettő - mint Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins és mások - szintén jelentős reprezentatív koreográfiai munkákat készített. A koreográfia egyetlen abszolút szabálya manapság az, hogy rendet kell előírnia a táncra a tiszta improvizáció szintjén, és hogy a táncot a tér három dimenziójában és az idő negyedik dimenziójában, valamint az emberi potenciál szerint kell alakítania. test.
